Reseña: Rival Sons – Feral Roots

Hablar de Rival Sons es hacerlo sobre una banda que lleva un buen tiempo en el negocio y que desde el primer día perfiló un sonido donde el hard rock de los setenta era su punto de referencia. No fueron un boom inmediato, se lo tuvieron que trabajar bastante y no fue hasta que apareció Great Western Valkyrie en 2014 que encontraron un balance entre respetar sus influencias y encontrar su propia interpretación de las mismas.

Pero hoy por hoy, hablar de la banda encabezada por el cantante Jay Buchanan me obliga a referirme inevitablemente al meteórico ascenso de Greta Van Fleet a los primeros planos del panorama rock desde hace dos años. No es una banda que me disguste realmente, pero era tan obvio a lo que se parecían, a lo que se trataban de parecer y lo que la prensa quería ver en ellos que rápidamente me resistí a ese canto de sirena.

El motivo es claro: a esos que los subieron al pedestal de “los salvadores del rock” no les importaba en lo más mínimo la música que hacían. Les importaba que fueran pelaitos que todavía no terminaban el colegio y ofrecieran toda esa parafernalia zeppeliana. Destacaban que la voz del cantante fuese idéntica a la de Robert Plant, pero no al servicio de qué canciones la ponía. El resto del cuento es tan predecible que me produce ira y pereza por partes iguales: después de dos EPs bien aceptados llegó la hora del debut en largo el año pasado y se los comió la expectativa. La crítica les dio la espalda casi por completo (y los que no lo hicieron tampoco vieron con buenos ojos el disco). La banda terminó hartándose de las comparaciones durante la gira y prometieron un segundo álbum para este año muy diferente a lo que fue su debut. Personalmente, veo que deberían hacer un ejercicio anti-rock si es que quieren salir bien librados de esto, pero esa es otra discusión…

Ya veo venir la pregunta ¿Por qué hablar de Greta Van Fleet en una reseña de Rival Sons? Muy simple: porque eso que todos vieron o creyeron ver en Greta como algo “diferente” al resto ya lo venía haciendo desde antes esta banda de Long Beach. Y mucho mejor. Naturalmente, el lector puede decir que es un emparejamiento injusto y una comparación odiosa porque mientras Greta lleva como mucho cuatro o cinco años en esto, los de Rival Sons ya cumplen una década juntos (y un poco más porque el grupo surgió de las cenizas de otro que data de 2006 llamado Black Summer Crush), pero yo tranquilamente puedo responder que tampoco nadie les dio la atención que merecían cuando apareció “Open My Eyes” años atrás, a pesar de que era un pastiche setentero tremendamente adictivo que podía competir con cualquier cosa que le pusieran en frente.

En efecto, hasta aquí todas las lineas se han centrado en dejar a Greta Van Fleet por el piso. Pero no se preocupen, la banda que protagoniza esta reseña se encargo de grabar un álbum que se defiende por si solo, y tema por tema lo vamos a descubrir.

Lo cierto es que desde su debut en 2009 con Before The Fire, pasando por Pressure & Time de 2011 y Head Down de 2012 todo estaba encaminado para rescatar esa sensibilidad setentera, pero más cercana a grupos como Free o Grand Funk Railroad que a Led Zeppelin. De algún modo eso dotó a su base hard rock de momentos más movidos, dejando que fuese la diversión antes que la pesadez lo que predominara en su música, que por lo demás dejaba ver una búsqueda por liberarse de ataduras con una u otra banda del pasado. En Great Western Valkyrie de 2014 lo consiguieron al hacer que las canciones siempre fuesen más importantes que el mero virtuosismo pirotécnico, aun cuando el guitarrista Scott Holiday se mandara momentos para la galería. En otras palabras, entendieron la clave del rock de los 70s.

Reafirmada la idea con su Hollow Bones de 2016, la banda decide tomarse su tiempo para grabar su sexto LP, en parte por su firma con Atlantic. Iban a cumplir diez años desde que se juntaron como Rival Sons y se hacia necesario conseguir algo especial, que mantuviera su esencia pero a su vez la expandiera.

Literalmente, desde el arranque con “Do Your Worst” no dejan ni un solo espacio para la duda en ese aspecto. No es muy rápida, pero el énfasis en el ritmo como si de una marcha se tratase así como en la recordación del coro deja claro que la máxima para enganchar al oyente es “quiero gustarte”. No lo hacen sin embargo de una forma demasiado pretenciosa o regalada a lo que quiera él, sino que lo hace demostrando sus habilidades y confiando en ellas.

“Sugar on the Bone” es más animada, tiene ese tono erótico que tantas groupies ponía en la cama durante los años dorados del hard rock, cortesía del baterista Michael Miley, sumando cowbells y cosas por el estilo a su set. Buchanan canta con una confianza arrolladora, mientras Holiday impone su sello con guitarras que le hacen plena justicia. El mismo Miley hace una entrada con la batería demoledora para “Back In The Woods”, ligeramente más pesada pero conservando algo de esos elementos extras en la percusión.

La clave para que Feral Roots sea tan efectivo como lo es radica no solo en darle más importancia a las canciones en si antes que a la pirotecnia instrumental, sino en que para favorecer la fluidez van sumando, restando o retomando ideas que le den a todo el conjunto una especie de lógica interna. Lógica que comienza a notarse con toda la propiedad del caso en “Look Away”, por mucho la mejor canción del álbum. Una percusión tribal sostiene una guitarra acústica que con el paso de los minutos se hace más intensa, abriendo paso a la eléctrica de Holiday como si emergiese de la ultratumba dispuesta a comerse al mundo. La voz de Buchanan se siente mejor que nunca, desempeñandose igual de bien en las estrofas más duras, en el coro imponente y en el puente más amigable al oído. En la titular “Feral Roots” siguen una formula similar, alternando más entre acústica y eléctrica, bajando un poco la velocidad y favoreciendo un ambiente más blusero, reforzado por el solo de Scott en la guitarra.

En “Too Bad” suben el volumen ofreciendo un resultado más pesado y ofreciéndonos a los Rival Sons más autoritarios de todo el disco gracias la contundencia en los golpes de Miley, mientras en “Stood By Me” deciden orientarse por un estilo más suelto y descomplicado, siempre dejando cierto espacio para que la banda no se opaque entre si. Con “Imperial Joy” tenemos un término medio entre la contundencia y esa sensación de “cada cosa en su lugar” que deja la producción.

Las últimas pistas son bien distintas entre si, pero mantienen el listón bien alto en términos de calidad. En “All Directions” tenemos una primera mitad más reposada como emulando las baladas de Bad Company. Sube de intensidad hasta llegar a ser un hard rock hecho y derecho en la segunda mitad. La energía desplegada en ese punto se mantiene con “End of Forever”, y hasta se dan el lujo de jugar con estrofas que en apariencia son más calmadas (de hecho juegan un , pero lo que hacen realmente es mantener la tensión para hacerla estallar en el coro. La ultima pista es “Shooting Stars”, con mucha vibra gospel aportada por las voces femeninas que acompañan a Buchanan, demostrando que asimilaron en su repertorio incluso lo que inspiró a muchas bandas de los setenta.

Feral Roots es como abrir una caja de chocolates donde cada uno tiene una forma distinta pero todos resultan deliciosos. Cada una de las canciones podría ser un corte de difusión en radio, fácilmente. Salvo dos temas que llegan a los cinco o seis minutos, ninguno se pasa de los cuatro minutos y lo cierto es que todos fluyen con demasiada naturalidad como para pensar que haya algo que suene excesivo o autoindulgente. De este modo, Rival Sons alcanza con su sexta placa el punto culminante de su creatividad y seguramente de todo a lo que aspiraban conseguir creativamente cuando formaron la banda. A partir de aquí, todo lo que hagan será comparado con este álbum.

Mi recomendada es sin duda “Look Away”. Es una de esas canciones que dejan la sensación de ser “perfectas” hasta en el más mínimo detalle.

Aquí va “All Directions”.

Calificación: 4.5/5

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